人的记忆力会随着岁月的流逝而衰退，写作可以弥补记忆的不足，将曾经的人生经历和感悟记录下来，也便于保存一份美好的回忆。那么我们该如何写一篇较为完美的范文呢？以下是小编为大家收集的优秀范文，欢迎大家分享阅读。
美院油画创作篇一
美是源于自然，蕴藏在生活中的。无论哪一幅成功的作品都是来源于生活，都是艺术家对于生活的深刻感悟、认识，不断的积累经验和情感才能创作出来。艺术家要长期的深入生活，通过创作性感悟及劳动，才能创作出能表现艺术家自己的浓厚情感，将之渲染的更鲜明，能更集中的去反映现实生活本质的艺术作品。艺术家要要求自己主动的走出画室，走进大自然，融入到生活中去，当艺术家被生活中某一件事物或者事件所深深吸引，就会激发他在情感上的波澜，爆发他的灵感，产生进行创作的强烈冲动。因此，在艺术家面对很多美丽的素材，要独立的作出判断，进行深层次的分析，然后再做出选择。经过概括、提炼和加工的过程后，才能真正的达到艺术创作的至高境界——感悟。艺术家是需要通过很多很多的经历，有丰富的生活历练，然后才有灵感才有能力，形象具体的把生活中感悟到真正的东西表现出来。艺术家需要对艺术有深刻的观察，艺术创作是人类高级的、特殊的、复杂的精神活动。只有走进自然，深入生活，将生活作为根基，将自己的感悟作为灵魂，用心灵深处快要爆发的激情而得到有生命力的资料，才是艺术家创作的基础。例如在油画创作教学过程中我借鉴法国巴比松派的著名画家米勒的作品，让学生感觉到一丝哀愁，融入在让人为之迷醉的氛围。通过他的作品让学生得知是因为他不断的深入生活、挖掘生活，才会拥有独到的艺术情感和艺术激情，才能强烈地震撼着人们的灵魂。所以，在油画创作教学中，要让学生树立正确的创作观念，引导学生不断深入生活，热爱生活，体验生活，积累生活，不断的挖掘出生活中所蕴藏的美，把对生活的感悟充分的融入到自己作品中去，这样才能使油画创作教学能更好的发展。
油画的创作，不能受西方的传统技法的表现所局限，要基于东西方艺术传统和其他绘画艺术的精髓相互融合、相互借鉴。传统是一个民族历史文化沿袭下来的思想行为，是代代相传的艺术形态。作为新时代的我们要抓住精华，做为创作的元素。我国的油画有百年的历史，这其中是继承传统、借鉴中西文化，融合其他艺术精华，在此基础上作者再不断的积累、不断的创新、不断的进步的历史。油画创作过程中要善于去学习和吸收东西方的艺术精华，将之融入到自己的作品，不断的进步，不断的创新，才不会盲目的去沿袭。
我国具有几千年的传统文化，我们生活在这样的环境里，血液里是自然会涌现出来，民族传统的东西。身为美术教师要从“外师造化，中得心源”出发，结合主观与客观的教学观进行传授。根据“形神论”去掌握内在蕴含的精神和外部现象之间的联系，不断深入；在教学过程中从“气韵生动”让学生去感受表现的至高境界；充分发挥“迁想妙得”的思维方式使其学生可以了解认识想象与情感的作用。油画创作教学过程中美术教师还可以从我国历代造型艺术中，让学生吸收艺术的味道和形象的风格。例如可以让学生感受古代青铜器或者唐朝仕女画里的浑厚、凝聚力与丰满的风格；也可以通过展示宋微宗的书法或者明朝的家具设计中感受挺拔、俊秀与精湛的风格；运用怀素的草书或者梁楷的人物画中去感受那种飘逸和洒脱的风格。因此在创作油画时，要善于借鉴中国画、吸收国画的精髓、融入版画及民间艺术的表现技巧。在创作油画教学中，美术教师要灵活多样正确的引导、启发与鼓励，将学生的思维打开，全方面的借鉴与融合，加强学生创新思维的培养，不断丰富油画创作源泉，不断完善油画作品个性艺术语言。
优秀的油画作品，应该是深度的精神内涵与精湛的绘画技巧完美结合的体现，是艺术家对生命与对社会的深切认识，然后将自身真实的'情感充分的流露出来，展现在画面上的结晶品。作者的艺术观、思想意识与表现能力决定了作品具有什么样的内容、什么样的题材，具有什么样的主体思想。艺术创作首先是要有利于社会的发展，有助于培养社会主义人才的思想素质，熏陶人的情操，改善人的观念，起到塑造人的美好心灵的作用。只有呈现出社会生活真实的一面，反映出新时代精神人物的活动并能充分发挥其社会作用的油画作品才是成功的作品，体现出真正的艺术价值与社会价值，也是获得油画艺术上的高品味，转变油画创作性的根本途径。在油画创作教学过程中，可以通过欣赏董希文的油画作品《开国大典》，让学生感觉到非常深刻的精神内涵，使其学生了解通过作品可以引起社会的强烈的反映，最终可以得到社会的肯定价值，将艺术作品能教育人，能激励人的作用体现出来，挖掘作品成功的原因其实就是作者在创作的时候，能够正确认识社会生活，将社会的变革体表现出来，加之作者精湛的绘画技巧以及独特的个性艺术语言。因此油画创作教学中，美术教师应该积极组织学生欣赏优秀的油画作品，适当的邀请有丰富创作经验的画家举行学术讲座等形式，激发学生的创作积极性，激烈他们敢于大胆想象，勇于实践，培养学生具备高度的社会责任感，促进学生对艺术的执著追求，努力探索和掌握油画艺术形神上的完美结合、作品主题思想的高度统一，不断加强油画艺术作品的精神内涵，创作能真正反映当今时代风气的成功油画作品。
在油画创作教学过程中，千人一篇是创作教学的大忌。教学中，美术教师可以要创设一个和谐民主的教学环境，要在创作过程中鼓励学生在发展个性基础上敢于大胆表现和创新。美术教师要根据学生的个性心理品质的不同，针对性的设计学生实际情况的教学方法，坚持因材施教、因势利导，营造有助于学生个性的形成，有助于充分挖掘学生的创造力教学环境。例如，学生若是倾向外向型心理就比较关注对物象外在审美形式的表现，其个性趋向于色彩、技巧和造型方面的设计。因此这类学生艺术创作上偏重对具体形象、自然景象的细节的刻画，在画上面色彩柔和、构图均衡、在造型上会有一定的情趣。而个性倾向于内向型的学生，会注重精神及本质的体现，不断追求视觉冲击的效果，表现在具有夸张的形体、强烈的色彩对比的构图。美术教师应该激励学生超越自己的个性而达到艺术的高度，发挥自己的恰能。实践证明，只有教师善于抓住学生身上无尽的创造力，加以引导，给他们提供自由的发挥空间，从而能创作出具有个性、表现力、激情的作品。
根据以上所述，油画创作教学中应该切实关注以及解决的问题是：对社会生活的真实的感悟，艺术的体验，艺术表现个性语言的丰富和作品所能展现的精神内涵。如何能提高油画创作的教学质量，如何能增强油画作品的精神内涵，尽量克服和避免在油画创作的时候脱离实际的社会生活，从而导致艺术语言表现过于单一，艺术作品缺乏思想内涵以及创作习性的倾向，美术教师应该在创作教学过程中，严格要求学生要重视生活、深入生活，注重对生活的真实感，全方面的吸收、借鉴及融合其他艺术的精华，加强油画艺术语言上的完善，加强锻炼绘画技巧，以油画作品的精神内涵为目标进行创作，才能真正的提升油画艺术作品的品味，才能达到理想美术教学目标。
美院油画创作篇二
：油画创作中的装饰意味越来越受到艺术家们的重视，在多学科的渗透和影响下，这一因素为传统的油画艺术注入了新的活力。油画创作中装饰意味的表现手法和构成元素直接传达艺术家的思想感情和艺术追求，它不仅仅是语言符号表现手法，也是情感与精神的象征。对油画创作中的装饰意味进行深入研究有其深刻的现实意义。
油画创作中的装饰意味就是对所描绘对象进行美化而使之变得充满趣味。画家往往会巧妙地添加一些具有装饰意味的表达语言，使作品给人一种独特的视觉效果[1]。在油画创作中画家会为了使画面更具有装饰意味，而增加使用合适的构图、平面或线性造型以及具有抽象、夸张，象征的点线面和色彩，使创作的具有装饰意味的油画作品，具有明显的想象力、丰富的表现力和艺术感染力。当然从油画作品中也能看到画家本人的情感和个性的影子。油画创作中装饰意味的绘画语言通常都是简洁的、精炼的、高度概括的，通过对构图和造型的运用，点线面与色彩的搭配，可以使油画作品具有很强的装饰意味。
（一）油画创作中装饰意味的形式表现语言
可以将油画创作中的装饰意味的形式表现语言比喻为建房子，其中的构图是钢架、点线面是水泥，这二者对作品起重要作用。因此在油画创作过程中，要想营造出具有装饰意味的油画作品就必须学会构图和点线面的运用。1.构图的表现运用构图是画家为了更合乎情理地组织和安排所要运用的艺术创作元素。在油画创作过程中，根据具体的需要选择最合适的构图方式[2]。平视构图，在油画创作过程中先使画面所表达的内容与观赏者视线保持平行，再使画面呈现平面效果，如蒙德里安的作品《红、黄、蓝的构成》等。立体构图，在平面的基础上去描绘画面内容的上方或侧面使平面变得立体，使画面看上去更真实。自由组合构图，在油画创作过程中，用一定的美学原理将不同的线条、不同的颜色和不同的表现形式合理地搭配组合在一起，将分散、凌乱、似乎没有任何联系的创作元素，合理地布置在一个画面空间内，共同展现画家内心情感和绘画主题。这种构图方式冲破了时空的束缚，打破了传统的视觉效果，如毕加索的作品《梦》，十分典型地展现了构图在油画作品创作中的重要性。2.点线面的构成与表达油画创作中装饰意味的绘画语言发展至今，表现手法与材料虽丰富多样但画面构成元素不外乎“点”“线”“面”这三种。点线面作为画面中最基本、最关键的构成要素，不仅体现着油画作品的整体格调，也体现了画家的感受和油画作品的整体面貌。在艺术语言上，“点”是基础中的基础，“线”是点运动的轨迹，“点”在画面中作用的差异取决于“点”在画面中面积的大小。不规则的点给人一种棱角分明、粗糙、外放和激情的感觉。圆点有圆润、内收和平和的感觉。缩小的点给人一种内收、集中、强调的感觉，放大的点则相反。“线”具有方向性、运动感、表现力和生命力。急转的线给人尖锐和冰冷的感觉，缓转的线给人悠扬和轻松的感觉[3]。线不仅能够清晰直接地概括出物体的形态和特征，也能体现出画家的性情和风格。在油画创作中，线是控制画面节奏的关键因素。如何把握节奏，首先在把握好画面中主体物的前提下，挑选适合的构成元素——点线面，来修饰和描绘主体物；其次不能让次要形态抢主体的风头，学会控制这种主次关系。“面”是相对于“点”“线”的平面形象，是以二度空间的形式存在的。在油画创作中，可以把“面”看作放大了的“点”，“面”与“点”相比较，“面”是较大的元素，“点”与“面”所强调的东西不一样，“点”强调位置关系，“面”强调的是形状与面积的大小。画家创作具有装饰意味的油画作品是以“面”的形状，通过色块来表达物体的形态。“面”的形状是变化的，而且还是多变的，主要通过提、拉、扫、点、拍、顿、托等技巧与不同种类的原料相结合，创作出具有肌理效果的画面效果，给人一种别具一格的视觉感受和不一样的画面风格。点线面是画家情感表达的媒介。情感作为艺术创作的灵魂，贯穿于创作始终，因此，每件艺术作品都是创作者的情感表达。当然，油画作品中也必须有画家的情感表达，情感的表达是通过点线面来表现欢快、激昂、愤恨，悲伤的感受。克里姆特的《吻》中，点线面的运用传达出来的画面语言是对爱情的激情、憧憬和热忱。作品中用方形来表现男子刚直、有力量感的形象，圆点装饰为整个画面增添了浪漫的、甜蜜的，温馨的情调，以柔和的曲线来表现一个正陶醉在甜蜜爱情中的女子形象在油画创作中，点线面作为装饰意味的形式表现语言中基础的构成元素，需要艺术家对所描绘的对象打破、重组，构建一种新的秩序，这便要求这三者间必须做到相互关联、相互转换，互为结构，彼此成就。使得在油画创作中具有装饰意味的画面构图做到清新脱俗、富有创意、生动有趣，富有表现力。点线面的的表现形式具有丰富性和多样性，但它是根据画家对事物观察、感受、认知及表达方式的不同而不同的。画家会根据创作的预期效果的需要对元素进行选择、分解和重组。
（二）色彩的装饰意味表现
在油画创作中要体现装饰意味，对于色彩的选择十分关键，直接影响画面的总体感觉。画家为了增添画面总体的视觉效果，通常会选择简洁的、纯度高的、鲜亮的颜色进行表现。1.色彩的对比与色彩的装饰意味很明显，装饰性绘画的色彩饱和度和纯度都是非常的高，这样的色彩能够刺激观赏者的视神经，进而使观赏者对作品产生极浓厚的兴趣，使其愿意深入到画家的内心世界，去体会画家创作此作品的情感、心情以及想传达给观赏者的东西，最后使观赏者获得审美快感和对世界新的认识。比如梵高的绘画作品《麦田》，黄色的麦田以及蓝色的天空纯度都非常高，几乎是直接用颜料管里的颜色。2.色彩的平面化、秩序化与装饰意味大自然展现在我们面前的事物具有错综复杂的层次感和空间感，而具有装饰意味的色彩要求我们在表现物象时去掉近实远虚的空间感，把复杂的、繁乱的物象进行概括和提炼，使之典型化、简化，最终平面化，使我们感知到的事物更具有一种形式美。平涂是指先将描绘对象的轮廓划定出来，在画面上涂上均匀的，单一的色彩，然后使做成的艺术作品具有平面化的特征。相比于传统的绘画技法而言，平涂是一个新的突破和方向，将画面的装饰性增强，采取更为直接的方式将画家心中的感受表现在作品中。例如梵高的作品《向日葵》就具有非常出色的装饰效果。通过对梵高这一作品的研究发现，他对黄色非常喜欢和擅长，向日葵使用的黄色没有雷同的，每一部分都是由不同明度、纯度的黄色构成，真是一幅黄色的交响曲，像这样的作品在绘画上注重色彩的秩序感，从而也具有很强的装饰意味。在油画创作中我们必须抓住平面化和秩序化这两个特征，因为这是装饰性色彩中最为重要和必不可少的特征，只有这样，画面中的装饰意味才能真真正正地体现出来，梵高画笔下的向日葵与我们平常所见的不同，那是他心中的向日葵，是他心中的希望和对生活的热爱，是他本人内心真实的写照。3.色彩的主观能动性与装饰意味在油画创作中，画家是根据自己的生活经历来选取题材并在画布上进行描绘的。每位画家的生活经历都是不同的，因而画家的内心世界也是有差异的，画家会使用更能表现自身独特艺术魅力与个性特征的色彩，有时候会忽略人们眼中能看到的所谓的真实性色彩。具有装饰意味的色彩是融合了所描绘的对象的固有颜色与画家想象的颜色，偏重画家对色彩的主观处理与表现，它是画家为表达自我内心情感而设计的独具个性化的色彩世界。
（三）油画创作中装饰意味的造型表现
油画创作中的装饰意味讲究的是造型的艺术表现力[4]。平面造型是最常用的，因此，要多方面地重视平面造型技法。1.变形的方式。归纳线条的长短、形状、流畅程度，不同的画面构成以什么样的表现方式表现，才能给观赏者以新奇和眼前一亮之感，使作品所表现的主题内容更加形象，更加突出。至于怎么才能将生活中的.事物通过艺术加工形成艺术作品，需要我们对局部的细节进行灵活运用。2.简化的方式。为了使作品看着更通透简练，更具有意境，需采取提炼综合的创作手法，即：用简洁的线条搭配来描画突出的艺术形象。在写实和对内容提炼的基础上，恰当添加一些画家的主观想象，采用夸张或其它装饰内容，或是将所描绘对象进行组合、拼凑，最后构成一个完整的、更加饱满的、充满视觉冲击力的画面。
（一）装饰意味的抽象表现
油画创作中装饰意味融入现代油画创作中的一个重要表现方法就是抽象。通过改变色彩搭配以及线条变形之后，让画面看起来更富有生机、活力和概括力。我们可以在画面中看到自己在实际生活中的真实痕迹，作品更多地给人留下了无穷的想象空间。通过对画面简洁和抽象的概括融合，可以看到更深的意义和更深层的内涵，这都源于在油画创作中的装饰意味的绘画语言进行的艺术加工。例如中国油画家赵无极是抽象表现的代表，《无题》一画中流动的大片色块、自由的笔触与偶尔堆积的肌理，充满了东方的精神意象与神秘的象征意味。
（二）装饰意味的象征表现
具有装饰意味的油画作品基本上都带有很强的象征意义。在油画创作中产生的具有装饰意味的每件油画作品，都是将实际生活中具体的人、事、物通过恰当的艺术表现手法，用抽象符号将复杂对象用简化的要素概括出来的，都是浓缩了画家的某些情感，象征着实际生活或理想状态中的寄意。例如，梵高的《向日葵》，画得很厚的向日葵在几乎平涂的背景上展现出清晰的轮廓，他向向日葵中倾注了自己的生命，将描绘的对象——向日葵的体积关系与画家本人主观的、具有个性的色彩相结合产生了特殊的艺术效果。梵高是酷爱以向日葵为题材的画家，因为象征太阳的向日葵就是他真实性格的写照，他笔下的向日葵非常挺拔与有力量感，用笔坚实而果断，笔触是扭动和厚重的。油画创作中的装饰意味的形式表现语言分别是点线面、构图、色彩的装饰意味表现和造型表现，还有装饰意味的抽象与象征的表现。在油画创作中，加强对具有装饰意味的绘画语言和表现方法的运用和练习，才能创作出更多更优秀的具有装饰意味的油画作品。
美院油画创作篇三
艺术来源于生活而高于生活，艺术创作总是以我们的生活体验为基础的。作为艺术创作，它反映一定的主题、思想、情感，而创作主题、情感又来源于生活的积累。任何艺术家在进行创作之前都是经历了一个深入生活、积累生活、体验生活的过程，并在生活中选取触动自己心灵的素材来进行加工和创造。脱离了生活基础的作品，缺乏深刻的精神体验的作品，是没有生命力的、矫情乏味的东西。
绘画语言的构成除了视觉因素的形、光、色外，在另一层面上看绘画语言也是一种精神产物，绘画本身也传达了一种观念，绘画语言不应仅仅停留在技巧和形式的探索之中，它是将技巧、知识、直觉和感情与材料融合为一体而形成的。艺术是精神和物质的结合。而油画作为绘画的一个重要门类，它是在二维空间内，通过色彩、线条和形体来模拟客观事物的形象的。其中油画创作是每一个从事油画事业的人，在学习过程中非常重要的一个环节。油画创作包括许多方面，如创作的来源，立意，题材，画面构成，色彩，工具用法等等。但归根结底，我认为其中最根本的要素，就是创作的来源及创作的意义，我们以生活为深厚的创作源泉，创作源于生活，高于生活。源于生活就是要求我们尊重生活的真实，尊重生活的体验，以生活为原本，有感而发;高于生活就是要求我们用个人的艺术语言高度概括地表现对生活、对艺术的认识，使我们能够在普遍的司空见惯的生活中发倔真善美。
艺术创作是人类所涉及的艺术活动的核心部分，在人类社会历史的长河中，艺术活动从诞生开始，随着人类社会的发展而产生了众多的艺术门类。每门艺术的创作表现方法各异，但它们对人类的意义却是具有共性的。它们共同来表现了人类的情感和社会实用功能。艺术即取决于社会和个人，又对社会发展和个人生活产生着重大的影响。
苏珊·朗格说：“艺术是人类情感的符号形式的创造。”所以首先，艺术创作是人类抒发情感的需要。是人类表达情感的一种表达方式。而美术作品中，通过一些形象的反映和色彩的应用，表达作者丰富的情感。
人生有顺境与逆境，有成功与失败;有进取的斗志，也有堕落的颓废;有悲欢离合，也有喜怒哀乐。而这些种种人生际遇与情感都是艺术永恒的主题。我的油画创作“蝶韵系列”灵感便来源于我对青春的理解，也是我对青春理解的一种表达方式。每个人都有属于自己的青春，人生中青春是最最美好的，精彩的阶段.的确，我们一生最美好的季节莫过于青春。“青春是生命之晨，是日光之黎，充满了纯净、幻想及和谐。”青春像朝露，蒸腾着热气，散发着热量，放射着耀眼的光芒。青春是一股清泉，一种质朴的情愫，一股奔涌而出不可遏制的力量，一种过人的睿智。青春的时光是用金子铸成的，比什么都可贵。青春带给我们的感觉是那么的美好，那么的想抓住，当它悄悄溜走时总是让人显得是那么的无奈。所以人们总是感叹着生命短暂，青春短暂。但是我认为青春不仅仅只是人生的一个时期，它并不只是一个时间的概念，更不只是朱唇红颜，而是一种坚定的意志、丰富的想像、饱满的情绪。青春的内涵是战胜胆怯的勇气、敢于冒险的精神。是一种面对人生的态度，我想尝试通过我的作品让自己永远记住这种青春的心态，也希望看画的人通过我的作品能够记忆起曾经青春带给他们的梦。
“蝶韵系列”两幅作品主要由人物和蝴蝶组成，画面笼罩在一种青春气息很浓的氛围中，我想摆脱明暗对色彩的束缚，发挥它本身对人的情感和心理的影响作用追求鲜艳夸张的色彩刺激。画面中女孩儿白皙的肤色，清澈的眼神，俏皮的动作，处处体现出青春的美好，在背景色彩上我采用了单纯的平涂方式，色彩以亮色为主，画面追求色彩的平面性，通过较为夸张明确的色块层次来实现画面的强烈对比，塑造出青春的形象，来透彻的表达自己的主观感受。而蝴蝶则是作为一种象征性的符号出现在了每张作品的不同地方。它象征着青春之旅并不仅仅是鲜花满地与阳光普照，更多的时候是疾风骤雨，是磨练与洗礼，并不是每一只蚕蛹都能破茧成蝶的，它们也要经历风雨，痛苦的挣扎，不懈的努力然后展开那双美丽的翅膀飞向空中。前方的路程无法丈量，穿越的过程便是追求的证明。
“谁勇敢的接受过青春之火的洗礼，谁就毫不畏惧晚年的严寒冰霜”。青春不仅是年龄，更是一种精神一种心态，是一股永不服输拼搏奋进的精神。
美院油画创作篇四
挪用观念在是对过去的文化资源和文化体系板块和局部元素，以一种新的观念和目的，进行再造、再现和再度运用，其语言符号和动态标志的特点是诙谐、夸张、另类、甚至戏谑性的变革。油画创作中的挪用体现化装、自拍、变异、装置，使美术史上耳熟能详的作品以新的方式得以展现，这是一种对传统文化资源做出的新的解释与理解。
马奈在1863年展出的《奥林匹亚》曾引起人们的热门关注，而今天，在岳敏君和森村泰昌对《奥林匹亚》的挪用中，尽管我们还能从图示中认出模仿的源头，却难以诉说图像后面的具体含义。或许经典可以变成被加工的对象，而不是永恒的存在，这样反倒能使它们成为更加接地气的文化元素，而非仅供于神坛的乌托邦。有趣的是，马奈本身也曾挪用过前人的经典画作，其作品《草地上的午餐》就借用了16世纪意大利铜版画家莱芒第的作品《帕里斯的裁判》中的人物组合图示。
《自由引导人民》是法国19世纪浪漫主义艺术家德拉克罗瓦的浪漫主义代表作。但在当代油画家岳敏君的笔下，原作的神圣与沉重消失殆尽，代之以调侃、戏谑、把玩的笔触和心态，对原作进行了扭曲般的挪用：战火硝烟的战场被置换成城市的'工业废墟，灰暗污浊的天空下是刻意重复的我的不同姿势与千篇一律的、略带诡异与厌世的笑。这些形象看上去单调、肤浅、艳俗、无聊，但却与中国消费社会中的精神迷惘状态相契合，艺术家在这里通过对历史的消解和现实的重构，把艺术的创意与对现世的批判得以结合。挪用观念成为了艺术家热衷的拿来主义，将现成物的再造和再配置发挥得淋漓尽致，因此在社会、大众及艺术领域愈发奠定其合法性。
从单一的图像截取、复制，发展到后现代主义艺术中对过去所有艺术的颠覆和反叛，构成了挪用观念在油画创作史中的发展历程。在此过程中，挪用被固化为一种带有反叛、讽刺、批判和玩弄的处世态度，在社会学和文化学的领域不断发生作用。由此看来，挪用观念不仅是当代艺术创作的创作手段、构成方式和处理方法，更是艺术家在作品中的创作理念及现实反思。
然而物极必反。大量出现的挪用趋势向油画的原创性提出了质疑和挑战。这种类似于半盗版的图像传播之下，油画艺术似乎也走向了某种瓶颈，被挪用的图像被艺术家转移到新的语境和观念体系中时，其固有意义也呈现出不同程度的流失和逆变。
作为至高无上的肖像权威，达芬奇的传世名作《蒙娜丽莎》用神秘永恒的微笑不断诠释着人性的美。而在《l.h.o.o.q》中，杜尚保留了达.芬奇原作的原貌、动态、姿势，但却添加了两撇小胡子，进行了一番戏谑似的丑化，这不起眼的两笔似乎有着牵一发而动全身的功能，让整幅肖像产生出了一种玩世不恭的艺术气质。杜尚之后，《蒙娜丽莎》不同的版本纷纷出现。在这种张狂中，《蒙娜丽莎》被不断地侵蚀着本身的艺术纯度，其本质指涉陷入了一种进退两难的悖论圈套。被挪用的本体在新的存在中形成了一种非驴非马的状态。
不可否认的是，艺术家对时代和社会现实问题的思考，成为了挪用过程中的一种主观能动性。但若矫枉过正，囹圄在艺术图像的外在语境中，让作品内在语义陷入模棱两可的诠释误区，只会使油画作品的文化传统失去意义，只能以一种变异与扭曲的方式得以存在。如果挪用观念仅仅固化为借用和拼接，只能在荒诞滑稽的表皮下用苍白的语言进行勉强的自圆其说，油画则失去了时代意义和社会责任感。此外，尽管是后现代油画的创作手段，挪用观念如若变得极端化，成为油画创作速成的捷径，那么油画作品给予观者的思维运动、共鸣产生、哲理体会，则会被先入为主的话语霸权所掌控，让油画艺术如同契诃夫笔下装在套子里的人一般，只能在自己的话语体系里自言自语。长此以往，挪用观念将会在当下社会逐渐体现出自身的贫乏与孤立，走入个人主义和本质主义的窠臼。
在油画艺术的发展走向中，挪用观念不能简单地被归于历史，也不会掌控未来。挪用的意义在于提供给我们新的创作方式和思考维度，扩大艺术边界。艺术家的使命是将挪用内置于艺术的发生中，而非本末倒置地将艺术作品创作沦为挪用的代名词。如何驾驭挪用的方法，使油画创作不会落入一种惯性思维和自灭窠臼，是每个从艺人士所应该深度思考的。
美院油画创作篇五
油画的写生与创作关系密切，写生是创作的基础，同时也是艺术家在创作前期搜集素材的一种方式。写生也可以成为创作的一部分，优秀的写生作品同样也属于创作作品，可以说，写生和创作之间并没有明确的界限。单纯地将写生和创作割裂开来是不正确的，简单地把写生视为习作也是不可取的，油画的写生与创作是相互影响、相互交融的关系。
写生是创作的基础，最显着地体现在美术院校的教学体系当中。写生课程通常安排在大一、大二、大三学年，这些课程都是循序渐进、由易到难的，而毕业创作通常安排在大四学年。通过前三学年写生的基础训练，为最终的毕业创作提供技术保障，这就体现了写生对创作的基础性作用。因为油画创作的要求相对较高，不经过系统写生训练是很难完成的，需要通过长时间的写生来解决构图、造型、色彩、解剖等方面的问题。这种课堂写生带有一定的练习性，不要求作品的完整性，通常也称为“习作”.因此，在这种情形下，油画写生更多的是尊重客观对象，较为忠实地记录对象，否则就无法达到学习的目的和效果。油画写生是油画创作的基础，是绘画者一生的必修课，并不仅仅是针对美术院校的学生而言。即使成名的画家也还经常进行写生练习，例如于小冬、杨参军、郭润文等油画家。
写生画不好，创作也肯定会受到制约。另一方面，如果在在创作中发现造型、色彩等方面的基本功还不够扎实、过硬，还可以通过写生的方法不断锤炼，以促进创作水平的进一步提高。
虽然照片搜集素材更为便利，但照片的形象不免呆板，色彩也不够生动，画家通过写生记录对象的特征，为创作打好基础，从写生得来的这种素材更为鲜活、生动。这种类型的写生不是简单的技法训练，而是为创作积累素材、研究素材。老一辈油画家由于其所处的时代科技不够发达，获取素材的条件不如现在便捷，很多创作都是通过这样的方式搜集素材。如全山石在创作《娄山关》时，便对作品中的农民和民兵形象进行了写生。在其另外一张作品《英勇不屈》中，也对作品中的农妇和民兵形象进行了写生。艺术源于生活，高于生活，要想创作出优秀的作品就要深入生活、扎根人民，在人民群众中获取灵感，汲取养分。近年来，中国美协及其相关团体机构组织油画家们多次赴农村、厂矿等基层写生，对于油画家们搜集素材进而创作优秀的作品创作了条件。虽然目前相机已经普及，搜集素材的方式更为便利，但通过写生搜集素材的方式更能够记录画家作画时的感受，这种感受也会传递到创作中，使得创作更加真实、更具说服力，这是照片所无法比拟的。
很多画家在创作过程中，因图片资源缺乏或不理想，为了追求真实性和生动性，局部采用实物写生的'方式去完善作品。这种方法与搜集素材的方式不同。搜集素材的写生通常要小于正式创作中物体的大小，待正式创作时再将小稿放大。而这种方式是直接将写生的对象画在创作的画布上，其他部分则是在写生结束后作者再主观进行处理。这种类型的创作可以说写生占的比重非常大，写生的功夫就显得非常重要。例如“国家重大历史题材美术创作工程”中的很多作品局部，都是通过模特穿上服装、摆上姿势，配合道具，打上灯光，直接进行写生创作。画家杨成国在创作《天边有座红房子》时，主体的人物是在课堂上写生的，在写生开始前就对模特的动态及服饰做了专门的摆放和选择，使得人物能与创作中的背景保持协调。而背景的花草树木建筑部分则是在人物写生结束以后加工完成的，客观的写生物象与作者对画面环境的设计很好地融合在一起。因此，我们要巧妙利用写生对象，使之更好地为创作服务。
写生本身就是一种独立的艺术表现形式，通过写生的方式来完成创作，这也是写生的最高境界。这种方式的写生不是简单的习作，而是在写生中融入了作者强烈的情感和主观处理，作品较为完整，超出了普通写生的范畴，达到了创作的高度，写生即创作。例如，弗洛伊德几乎一生都在通过写生的方式来进行创作，其作品的意义又远远高于现实，对象的精神气质、神态等都进行了强化处理。弗洛伊德在写生时极为用心，也极为缓慢，一幅头像通常能画一两个月，由此可见作者在写生中精益求精的态度。画家刘小东也是用写生的方式进行创作，即使是大尺幅的作品也是如此。他在创作《温床之一》时，由于画幅过大，画布是平铺在地上进行绘制的，在他的对面是十余名动态不一的模特，刘小东就是用这样写生的方法进行创作的。画家忻东旺也使用写生的方式来进行创作，他在人物写生时经常将额头部分的高光用刮刀厚厚地抹出，人物鼻子、嘴、眼睛中的线条也比实际中的要强烈，对人物的个性特点进行了夸张的处理。他曾说：“我力求不使每一幅写生作品仅成之为习作。”[1]画家王克举将画架搬到大自然中，用200×200cm的画布对景写生创作，当然，从他最终创作出的作品来看，作品本身与自然对象相比是有很大区别的，造型更加夸张变形，颜色更加主观、更具表现性。画家冷军的超写实作品很多也都是通过写生的方式来完成，通过对构图和物体位置的摆放，使得画面呈现出一种创作的意境。画家杨飞云直接将画架摆放在老乡家里进行写生创作，模特的形象与家中环境自然地融合在一起，通过对道具的摆放及周围环境的取舍，使得画面呈现出创作的意境。因此，这一类型的写生融合了作者的主观感受和情感表达，也使得写生具有了创作的意味，这就是写生即创作的体现。只有将写生转换为创作作品，作品的艺术性才会更高。
油画写生与创作的关系既是相互独立、相互交叉，同时也是你中有我、我中有你，是相互交融、相互渗透的。如果将写生与创作割裂开来看，没有写生的基本功训练作基础，根本创作不出优秀的艺术作品。如果单纯地把写生当成习作的话，会使创作出来的作品缺乏深度。油画创作是油画写生的延续和提炼，创作时也要兼顾写生现场的环境气氛，捕捉写生感，时刻保持画面的鲜活和生动性。同时创作也不能完全当作单一的写生去对待，而是需要经过缜密的构思，才能将写生的秩序感、生动性、鲜活感、完美融合在创作中，达到写生即是创作的高标准。
[1]忻东旺。相由心生[m].长沙：湖南美术出版社，2013.
美院油画创作篇六
纵观绘画艺术的发展，从古埃及壁画开始，绘画创作的一步步演变，可以看出，绘画创作一开始的目的是为了真实的描述社会现象，作为比文字更早出现的东西，它们负责记录，随着时间的发展，绘画开始有了新的目的，透视的发现与完善，让绘画创作更加接近于准确的表现出客观存在的东西，也就是写实。我们可以看到，文艺复兴时期的绘画作品，对于自然风光、人像的描述精准且美妙。然而随着时代的发展，科技不断进步，摄影技术越来越完善，写实已经无法满足画家了！写实主义重点在于真实的描绘客观事物，而人们欣赏时往往死抠细节而忽略画作背后画家的思想与情感，于是他们像更能表达自己思想的领域进军！
于是印象派、抽象派等等更加大胆抽象的风格如雨后春笋般出现了。它们用色大胆，打破常规，往往让人一眼看上去满头雾水不知所云；然而又是那么的和谐美丽，画作中隐藏着一个个扣人心弦的故事。
长期以来绘画创作的本质一直是画家研究和探讨的主要问题，画家总是会在创作题材、形式上煞费苦心。怎么才能创造出优秀的绘画作品是画家一生都在研究的问题。画家的个人品质和生活情趣影响着画家的绘画表达形式和语言。
在艺术的世界里，画家的气质往往决定了画家绘画作品的艺术语言；画家的情感与智慧决定了作品的好坏，可以说气质与情感 智慧是绘画作品创作的基础。
每一个画家都有自己独特的绘画风格，每一幅画都表达了画家不同的内心情感。可以说画家的每一幅画都是不可复制的，是独一无二的。在绘画艺术实践中，有什么样的气质，就会有什么样的绘画语言。可以说气质决定了画家的绘画语言。首先，独特的气质来源于独有的个性和独有的成长环境。梵高出生于荷兰乡村的一个新教牧师家庭，早年的他做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士。他充满幻想、爱走极端，在生活中屡遭挫折和失败，最后他投身于绘画，决心“在绘画中与自己苦斗”。他早期画风写实，受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。1886年，他来到巴黎，结识印象派和新印象派画家，并接触到日本浮世绘的作品。视野的扩展使其画风巨变，他的画，开始由早期的沉闷、昏暗，而变得简洁、明亮和色彩强烈。而当他1888年来到法国南部小镇阿尔的时候，则已经摆脱印象派及新印象派的影响，走到了与之背道而驰的境地。在阿尔，梵高想要组织一个画家社团。1888年，高更应邀前往，但由于二人性格的冲突和观念的分歧，合作很快便告失败。此后，梵高的疯病时常发作，但神志清醒时他仍然坚持作画。1890年7月，他在精神错乱中开枪自杀，年仅37岁。
这位易激动而富于神经质的艺术家，在其短暂一生中留下大量震撼人心的杰作。他的艺术，是心灵的表现。他曾说：“作画我并不谋求准确，我要更有力地表现我自己”，他并不关注于客观物象的再现，而注重表现对事物的感受。亨利〃福西隆在论述凡高时说道：“他是他时代中最热情和最抒情的画家。……对他来说，一切事物都具有表情、迫切性和吸引力。一切形式、一切面容都具有一种惊人的诗意”，“他感到大自然生命中具有一种神秘的升华，他希望将它捕捉。这一切对他意味着是一个充满狂热和甜蜜的谜，他希望他的艺术能将其吞没一切的热情传达给人类”。为了能更充分地表现内在的情感，梵高探索出一种所谓表现主义的绘画语言。他认为：“颜色不是要达到局部的真实，而是要启示某种激情。”在他画中，浓重响亮的色彩对比往往达到极限。而他那富于激情的旋转、跃动的笔触，则使他的麦田、柏树、星空等，有如火焰般升腾、颤动，震撼观者的心灵。在他的画上，强烈的情感完全溶化在色彩与笔触的交响乐中。
早期作品受印象主义和新印象主义画派影响，代表作有《食土豆者》、《塞纳河滨》等。曾两次在咖啡馆和饭馆等地向劳工阶层展出自己的作品。不久厌倦巴黎生活，来到法国南部的阿尔勒，开始追求更有表现力的技巧；同时受革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，以达到线和色彩的自身表现力和画面的装饰性、寓意性。
每一个画家拥有不同的生活体验，不同的情感世界，所以， 在他们的作品中我们可以感受到不同的绘画语言及绘画形式，可以说绘画作品是画家个人品质情感与智慧的综合体现。一个画家要想创作出优秀的作品，应该不仅仅在绘画技能上锻炼自己，还要培养个人的艺术修养，要热爱生活，用心去体会这个五彩斑斓的世界。
美院油画创作篇七
起素描稿是油画创作的基础性工作，就像是在建设的过程中，如果地基打的牢，那么建筑物一定非常的牢固。在油画的创作上，素描稿起的好，所创作出来的油画作品才会赏心悦目。下面是小编为大家分享油画创作素描稿重要性，欢迎大家阅读浏览。
就如有一千字莎士比亚，就有一千个哈姆莱特是一个道理，对素描的概念也存在着不同的说法。经过认真的归纳和总结，本文将素描的概念分为广义和狭义两种：广义的素描指的是所有纯色绘画的统称。水墨画、速写等都被归为这一类。狭义的素描是指利用铅笔等绘画工具在画纸上所进行的基础性的造型活动。从概念上来看，素描不仅是绘画造型艺术的基础性工作，同时也是一种纯色的绘画形式。通过素描，油画家不仅可以将自己所要表达的物品及思想表现出来，还可以抒发出创作者的情感和人生观、价值观等，因此有人说素描是人类内心的另一个世界。同时在进行素描绘画的学习过程中，还可以培养油画家对自然景物和生活的热爱，艺术来源于生活，又高于生活，通过对生活和自然的观察和感悟，重新领悟人生的真谛，创作出自己得意，观众满意的作品，在绘画的过程中收获快乐和信心。所以我们可以这样认为，素描不仅能改进油画家的世界观和人生观，同时还兼具开发思维、锻炼手眼的目的。
任何事物都具有两面性，好的一面和坏的一面。油画创作中起素描稿子也是这样，对油画创作起到了积极和消极两种作用。
(一)积极作用
1.是油画创作的基础。素描是最基本的艺术表达方式，也是艺术家与自然界交流的第一步。所有需要进行造型的绘画都离不开素描，画面各部分的造型结构，体积和明暗关系，这些素描因素在油画创作中起着重要作用，所以进行素描的学习和训练是必须的。想要实现油画作品质量的提升，必须加强对起素描稿的学习，同时不断提高自己的创作能力，为以后油画的创作打下坚实的基础。
2.有利于对创作主体准确造型。油画起素描稿是一个灵活的造型过程，它允许不断的修改和调整，而这一切都是为了确定一个明确的视觉形象。正常情况下，油画家在进行创作之前，一定会根据创作主体的基本特点进行一些素描的练习和锻炼，结合透视、造型、质感、构图等方式去进行油画创作，不仅可以提高自身的素描能力，还为日后的油画创作和发展起到重要的推动作用。比如说康定斯基的《鱼》，运用了透视原理进行背景和明暗的处理，在高度造型后加入了个人情感，赋予了鱼儿生动鲜活的生命，让我们第一时间就能看到鱼的心灵窗口——眼睛。这就是起素描稿对油画重要性的体现。
3.在创作中起到“线”的作用。所谓“线”的作用，其实就是对作品中创作主体进行勾边。这种手法在我国的美术作品和书法作品中都有所体现。在油画创作中运用的.也是非常普遍。在进行油画创作的过程中，一般就是起素描稿来对创作主体进行基本的形体勾勒，之后才进行色彩的添加。通过用“线”，不仅可以反映出作品的轮廓，同时能将物体的明暗、虚实等都有所表现，素描稿起的好，那么整幅油画画面感就会更加的显著和完美。比如说大画家梵高，在其作品《自画像》和《向日葵》中，整个画面中充斥着“线”，具有极强的艺术表现力和感染力。毕加索的《格尔尼卡》中也是将“线”运用到了极致，以球体、圆柱体和锥体为创作的基础，用线进行画面的切割和描绘，整个画面特别硬朗和更具震撼力，将毕加索对和平的热爱和对战争的憎恨表现的淋漓尽致。
4.增强油画作品的空间感。如何在油画的创作中增强整个画面的空间感，起素描稿起着非常重要的作用。其通过线面关系、结构关系、虚实关系、明暗关系和大小关系使得整幅画面的空间感有所体现和增强。比如说艾中信的《东渡黄河》，其就是在起素描稿的过程中运用了透视的原理，使得作品画面的空间感非常强烈。在作品中大面积黄河之水滚滚东流，黄河两岸群山巍峨，红军大队人马即将东渡而去，将红军想要立刻东渡杀敌的感情充分的变现出来。
(二)消极作用
1.制约着油画的创作水平。在上文中已经提到，起素描稿是油画创作的基础和前提，所以任何的油画家在学习油画时必先进行素描的学习和训练，所以起素描稿的质量决定着油画作品的质量。将达芬奇《圣母子与圣安妮及婴儿时的施洗约翰》的素描稿与油画作品进行比对，你会发现两者是完全的统一，由此可见起素描稿子的水平决定着油画创作的质量。
2.影响着油画的创作风格。通过研读中外油画史可以发现，油画家的素描稿与油画成品在作品的风格方面来看，基本是完全一致的。也可以这样认为，素描稿子的风格决定着油画成品的风格。比如达芬奇，其在素描时追求的是一种构图的均衡和完整庄重，这样的作品便可以具有古典静穆之感。在具体的创作时，达芬奇完美的运用了透视和虚实明暗等关系，增强了画面的空间感和艺术感染力。素描稿的这种艺术风格也体现到了作品之中，在《达芬奇的自画像》和名画《蒙娜丽莎》之中，就是就好的体现。由此可以看出素描稿影响着油画的创作风格。
1.打好素描的基础。首先，加强认识。要认识到素描的基础地位和重要作用，认识到学好素描是油画创作的基础和前提。很多油画的爱好者和学习者，关注的是一些油画的表象，根本不重视素描，认为自身的素描水平差不多了，就停止学习。或者有的人认为素描与非写实油画创作没有什么关系，所以不必学。正是因为这些思想的作祟，才导致了油画创作水平的不高。其次，掌握正确的学习方法。进行素描的学习，要从临摹开始。在国内外艺术的创作中，都存在着临摹的情况。在临摹的作品上多选择大师的作品，如达芬奇的《蒙娜丽莎》、《自画像》、徐悲鸿的《马骏图》等名作。同时，素描的学习是一个长期和循序渐进的过程，不可能一蹴而就，所以在学习的过程中要逐渐的深入和实践，不断的研究和总结。
美院油画创作篇八
引言：油画作为西方传统技法传人中国已逾百年，经过历代艺术名家与学者的努力，中国的油画艺术迅速发展，以最短的时间经历了从古典到后现代的整个发展过程，以最快的速度追赶上了西方油画艺术的潮流。西方油画艺术从技法上、材料上、创作思路和观点上，不同时期不同阶段的画派及艺术大师，均有艺术研究者著书立说并且鞭辟入里，如贡布里希、劳申伯格等等。中国油画早期向西方取经，引入后与本土文化相结合，经过艺术家和理论批评家们的合力推动，也形成了独有的特色。然而，时代不断变迁，当代艺术已进入图像时代，对于油画艺术的研究也进入到了新的篇章。图像时代下的艺术潮流更加前卫与新潮，设计动漫等理念的进入以及技术流的结合使得当代艺术品创作更多了一分未来感，作品呈现出的样貌也更加令人难以琢磨。因此，作为艺术教育工作者，我认为有必要对自身所处的时代的艺术创作方式及潮流进行分析和梳理，在深入整理和思考后才能给予学生最有效的指导。
图像是一种人类视觉上的展现形式，它的概念属于视觉范畴，是人类的视觉活动产生了图像。人与人之间的信息交流主要有两种方式，一种是语言文字的交流，另一种是图像的交流。相较于抽象的语言文字，形象思维体系的图像有着一目了然的优势。19 世纪30 年代摄影技术的问世更是一座分水岭，图像的传播以难以想象的速度大规模的开始扩展，其重要性逐渐能与古代社会中语言文字的功能相提并论。因此，图像的扩张标志着社会正在向现代化发展前进。社会与科技的进步，使得图像在数量、样式、制作方式、传播方式等方面得到大幅的增长，宣告着图像时代即将到来。图像时代被认为是一种当代性的概念，与信息时代、科技时代、网络时代等概念代表着现代社会的不同特征与方向。这些概念同时也与消费社会中的商业模式有着千丝万缕的关系。消费社会下商业运作模式遍布我们的生活，电视中的广告、商业中心的海报等等无一不在刺激着我们的消费欲望。但这种刺激方式恰恰是使用图像的交流方式来完成的。20 世纪60 年代的波普艺术受到商业广告的启发，将现成品搬用到画面中，不断复制，甚至进行大批量的生产，艺术品神圣的概念瞬间瓦解，不再作为观众遥不可及的高雅之物，而是作为商品被大众消费着。这其中种种因素更加剧了图像的传播范围和传播速度。从电视节目、广告海报、漫画书刊、装饰图案、交通标识到艺术展览等等，人类社会被图像充斥着，正如哲学家马丁. 海德格尔所述：世界图像时代并非意指一幅关于世界的图像, 而是指世界被把握为图像了。
图像时代的来临的确给油画创作带来了很强的冲击，图像的扩张与多样化给绘画创作提供了大量的灵感资源，也给艺术创作提供了更多的可能性。相较于传统的创作方式，在资源获取等方面的确更有优势，但面临大量图像信息的涌入，绘画创作难免也会出现浮躁、重复度高等问题。
1、传统的创作方式
传统的创作方式主要是实物写生为主。自文艺复兴以来直到19 世纪，画家均是在画室当中创作油画作品，写生的对象有人物、人物场景、静物、风景、建筑等。在创作人物肖像时，艺术家让模特穿戴好着装，保持同一姿势和角度进行作画。当然如果作画过程较长，可以先画完模特的头部，躯干部分可以用木偶穿上同样衣着继续写生。静物写生也同理可推，将水果、银器等物品摆放在桌面上，在同一角度和稳定的光源下进行创作。风景和建筑等场外景物需要画家在户外做大量写生等搜集素材的工作，具体的油画创作仍然在画室中进行，艺术家需要将搜集的素材整合，进行再创作。难度最大的是人物场景写生，在创作历史题材的作品中难免有大量的人物场景，就像制作影片一样，艺术家需要自行准备人物服装、道具，然后需要让模特摆出被定格画面中的动态姿势。当然，躯干部分仍然可以用木偶代替，这对于艺术家在人体结构知识上和默画的能力都是一种考验。19 世纪初期，摄影术的产生，给画家提供了很大的便利，他们可以将自己画场景和瞬间用照片记录，在画室进行创作。19 世纪不仅产生了照相术，也产生了印象派。印象派突破了传统的创作的方式，走出画室在户外进行写生，力图将瞬息万变的自然景色表现在画布上，但是写生的方式仍然在传统的意义之中。
2、图像时代下的创作方式
图像时代下的油画创作已经突破了传统创作的想象力，艺术家主要是依托图片来进行创作不再进行实物的写生，图像的使用已经达到了普遍的程度。__依据图像来进行创作，相较于传统的创作方式的确有许多便捷之处。它摆脱了过去传统的使用模特与道具的方式，给画者提供了更多的创作研究的时间，并且在空间上也不拘泥于光源、环境等限制。绘图软件的开发，使图像不再受限于摄影术，它可以自由变换效果，人们可以通过绘图软件充分发挥自己的想象，使抽象的想象能够成为具象现实。依据图像创作已经成为了现代化油画创作的一个标志，可以说是图像时代下油画创作的独特方式。
1、过分依赖图片而失去对自然的观察
图像时代的到来使得学生在进行艺术创作时不再参照自然本身，而是全然依据图像。图像已经成为取代自然的媒介，人们不再直接观察自然。面对自然时，人们更愿意去观看为自然拍摄的图像。根据电脑中的图片、图像进行创作，通过不断放大，能够获取比肉眼观察更多更细微的信息;并且通过使用修图软件，将图像调整、更改或者合成，能够提前制作出理想中的最终绘画效果。这些都是图像带给我们的便利，然而艺术是由各种综合的因素构成的，并不是单一平面的画面效果。我们在观察事物的同时，脑中会对事物产生思考和看法，这思考和看法就是我们的感情。艺术是感性的，面对立体的自然，真实的生活场景和历史时刻，我们会有感而发。这种感受是真实的世界和生活带给我们的，这感受是平面的图片不能所替代的。
2、根据图片写生而逐渐失去创造力与想象力
在观看图片时，我们的想象力已经被限制在二维的平面之中。图像是已经形成的画面，根据图片写生在某种程度上等同于临摹画作。图像是对自然的一种记录，并不是自然本身，试想我们在亲临古埃及的金字塔和狮身人面像的现场所感受到的震撼力是金字塔和狮身人面像的图片能够带给我们的吗?在现场观看会使我们产生许多的联想，因为我们的心灵因为巨型宏伟的建筑而受到了冲击，这是平面的图像不能带给我们的。
3、追逐图片的表现效果失去内心的.思考与表达
现代科技的发展中图片不再仅仅是对于自然的复制，它赋予了图像再创造的功能，画图与修图工具使图像的效果出现了众多的可能性。画者可以利用绘图工具来制作画面，画面出现了令人眼花缭乱的效果。但是炫目的效果只是浮于表面，表达内心情感与思想的作品需要时间的积累与安静的思考。反观文艺复兴时期艺术家们的作品，只有朴素的外表和简单的技法，却能震撼人的心灵。好的作品不是仅有绚丽的外表，更重要的是能够传达出画者的内在世界，这样的作品才能更加动人。
1、在参照图片之前需要对自然进行观察
大多数学生在面对自然进行创作时，首先并不是观察自然，而是查看数码图像。图像作为再现自然的媒介阻隔了人与自然之间的直接的交流。然而能够打动人的并不是平面图像，而是真实世界，因为我们生活在这之中，世界与我们有着千丝万缕的联系。因此，学生在进行创作时，应首先观察所描绘的对象。观察所描绘物体的外形、结构、体积、空间，物体的社会功能甚至是历史背景等等，因为我们不单是描绘外在，更重要的是通过绘画对象诉说内在的思想。经过观察、认识和理解后创作的作品，才能脱离于概念，呈现出生动的画面。
2、学会使用图片而不是被图像所束缚
图像时代下的创作，能学会使用图片是有利于学生的创作的。它能提供给我们更多的思路与技巧上的问题解答。但如果我们不灵活使用图像进行创作，会反而被图像所束缚住，我们的想法会受到限制。因此，需要学生能够学会使用图像，不拘泥于单一的图像表现形式，尝试多种图像表达语言，研究图像的形式与层次等美学问题，进一步解读图像语言。并且，结合自身的油画绘画技法，搜集或制作能够充分表现油画技法的图像资源，利用图像来挖掘、探索、完善油画技法。
3、图像只是依托，而思想的表达更为重要
学生在搜集创作素材的过程中，容易被五花八门的图片所吸引，陷入到图片的样式之中。在忙于图像样式的表达中，往往忽略了内在的思想表达。因此，学生在创作的过程中，应该首先进行自我的内在挖掘。只有经过内在的自我解析，才能更加准确的给自己的作品进行定位，作品的表述语言才能够保持一致。内在思想是核心，如果我们不能确定自己想表达什么，作品在风格上、语言上也将含糊不清、飘忽不定。如果我们首先能将核心思想肯定，我们的创作思路会清晰，图像只是根据所需填充内容，不会干扰我们的思考。这样，我们的油画语言会更加明确，创作会更加有持续力。
