一键复制
总结是把一定阶段内的有关情况分析研究，做出有指导性的经验方法以及结论的书面材料，它可以使我们更有效率，不妨坐下来好好写写总结吧。什么样的总结才是有效的呢？下面是小编为大家带来的总结书优秀范文，希望大家可以喜欢。
素描的教学反思与总结篇一
素描是一种用单色来感知和把握物象的方式，一个以单色为特点的画种。
我们通常将它与“色彩”相区别，色彩作品中表现的肯定是彩色物象，而素描却是要将彩色物象“编译”成一种单色物象——“编码”就是黑、白、灰。人类历史上的第一幅“画”可能就是素描，但它不是作为一件“绘画作品”而出现的。在相当长的一段时间里，素描只是一种与人或神沟通的符号、器物上的装饰图案、色彩作品的底稿??直到某一天，人们发现了这种单色图象的独特美感，它才有了一个能与其它画种站到一起的位置。 我们常说的素描，是美术教学中的一个基础科目。
绝大部分学习美术的人，都是从素描开始的——这个传统由来已久。
早期的素描教学，应该是在古代的一些绘画作坊里，师傅教徒弟们如何把握对象在形态等方面的特征。这个时期的素描是以线为主的，不太追求厚实的体量感，像是我们今天接触的“速写”。随着透视学、“薄雾法”等造型理论和技法的出现，素描才具备了我们今天看到的“深度”。随着社会经济的繁荣、文艺思潮的兴起，以及上流社会对美术的热衷，在西方出现了促进艺术交流的“美术家协会”、展示美术作品的“艺术沙龙”和培养美术人才的“美术学院”，素描的教学体系也日臻成熟，并或多或少地延续至今。我国的素描教学起步较晚，是由以林风眠、徐悲鸿、刘海粟为代表的一批“海归派”引进并发展起来的，在50年代受到了苏联美术教学体系的影响，注重对明暗、空间等因素的有序把握，风格沉稳、写实。 虽然各个地区、学校的具体情况有所不同，但是就素描教学的体系来说，是大同小异的。在训练的程序上，基本上都是从结构素描到全因素素描，中间穿插一些专项训练，以加强学生在某些方面的造型意识；课程的设置需要循序渐进，一般都是从石膏几何体→静物→石膏人像→人像，为了加强学生对造型原则或规律的理解，许多教师会对这个次序做一些反复性的安排；当学生的素描技能达到一定的层次时，有些教师还会开设设计素描，完成由写实素描向创意素描的拓展。就训练的形式而言，主要有教师的讲授、示范、提问和讨论，学生的临摹、写生和默写等。
经常听到学生说：“素描好难学”，在这个问题上，我也感到很困惑。
⑴ 课程设置过于呆板，缺乏反复或穿插。
⑵ 缺乏较为严肃的授课态度，对迟到和违纪的学生没有严厉的处罚措施，造成了对部分学生的长期放任。
⑶ 过于关注“问题”，忽略了他们的课堂感受。
⑴ 缺乏学习热情，带有功利性的杂念太多，纸面上画的是某种“梦境”，而不是现实生活中的客观对象。
⑵ 不能坚持刻苦训练，“三天打鱼，两天晒网”，上课只是“走过堂”。
⑶ 存在理解层面的误区，摆脱不了“前认识”带来的惯性。
教学的问题比一般人想象中的要复杂，往往不只是教师和学生的问题。许多问题涉及到整个教育大环境，涉及的面太广，没办法谈。
大部分学生关心的是“如何学”的问题，这个问题比较大，我只能概而论之。
素描的教学反思与总结篇二
素描是一切美术造型的基矗在素描训练中，只有掌握正确的方法，进行严格系统的训练才能达到逐步提高的目的。中学素描训练虽然受时间、场所等众多因素的限制，但如果安排合理，即把课堂教学、课外写生、速写和临摹有机地结合起来，同样能达到综合训练的目的。
素描训练是从简到繁、由浅入深融思维和创造为一体的造型过程。初学素描时，学生由于缺乏对客观对象的认识和理解，尽管他们有正确的视觉感受，但总是心有余而力不足，往往不能正确地分析形象的特征、结构和内部联系，缺乏整体观念，喜欢钻入局部，结果是费力不讨好。针对这种情况，教师要及时给予指导，肯定优点，指出存在的问题。为了使学生养成整体观念，正确地了解物体的内部结构，教师可通过石膏几何模型分层次讲解物体的基本组合。如：用圆柱体的构成分析杯子的结构，用球体和锥体组合梨的结构等。
利用学校第二课堂进行素描训练时间比较充足，作业以写生练习为主，参加者基本上是各班的美术骨干和美术爱好者，因而写生内容和作业要求应严格一些，画幅的大小尽量按标准尺寸。初期训练先从灯光作业入手，因灯光光线相对集中，有利于学生对物体的理解和塑造。画明暗不是一种累赘，而是一种表现因素，不同光线的作用，使物体呈现出不同的状态，通过局部或整体的练习，增强学生对明暗对比的认识。对绘画水平较高的同学，要增加作业的难度，用自然光或散光进行训练，也可用结构画法，这样有利于学生更准确、更深入地分析和表现物体的结构，以达到分层次训练、整体提高的目的。
课外速写是指学生在课余时间画的小速写。这种速写时间短，要求只画出基本形体、动势、比例和结构，不要求画得十分完整，可以直接对物写生，亦可根椐记忆进行默写。无论室内室外，人物还是景物，主要是一个“勤”字。
一切自然的东西不经过艺术的加工和处理，不能成为鲜明生动的艺术形象。每一张学生的素描作业，都反映着学生的审美情趣。教师在评画时多启发，多诱导，尽量保留学生的绘画个性，不要一刀切。画面的主观处理是艺术创造不可缺少的，大胆地取舍和夸张有利于表现画面的主题。素描能力的提高，除了xx技巧的熟练外，还要xx艺术的思维，关键是用脑分析。素描训练的目的，不是要让每一个同学都成为画家，而是为了培养学生的分析能力、整体观察能力和空间想象能力，提高学生的基本素质。
素描的教学反思与总结篇三
素描是一种用单色来感知和把握物象的方式，一个以单色为特点的画种。
我们通常将它与“色彩”相区别，色彩作品中表现的肯定是彩色物象，而素描却是要将彩色物象“编译”成一种单色物象——“编码”就是黑、白、灰。人类历史上的`第一幅“画”可能就是素描，但它不是作为一件“绘画作品”而出现的。在相当长的一段时间里，素描只是一种与人或神沟通的符号、器物上的装饰图案、色彩作品的底稿??直到某一天，人们发现了这种单色图象的独特美感，它才有了一个能与其它画种站到一起的位置。 我们常说的素描，是美术教学中的一个基础科目。
绝大部分学习美术的人，都是从素描开始的——这个传统由来已久。
早期的素描教学，应该是在古代的一些绘画作坊里，师傅教徒弟们如何把握对象在形态等方面的特征。这个时期的素描是以线为主的，不太追求厚实的体量感，像是我们今天接触的“速写”。随着透视学、“薄雾法”等造型理论和技法的出现，素描才具备了我们今天看到的“深度”。随着社会经济的繁荣、文艺思潮的兴起，以及上流社会对美术的热衷，在西方出现了促进艺术交流的“美术家协会”、展示美术作品的“艺术沙龙”和培养美术人才的“美术学院”，素描的教学体系也日臻成熟，并或多或少地延续至今。我国的素描教学起步较晚，是由以林风眠、徐悲鸿、刘海粟为代表的一批“海归派”引进并发展起来的，在50年代受到了苏联美术教学体系的影响，注重对明暗、空间等因素的有序把握，风格沉稳、写实。 虽然各个地区、学校的具体情况有所不同，但是就素描教学的体系来说，是大同小异的。在训练的程序上，基本上都是从结构素描到全因素素描，中间穿插一些专项训练，以加强学生在某些方面的造型意识；课程的设置需要循序渐进，一般都是从石膏几何体→静物→石膏人像→人像，为了加强学生对造型原则或规律的理解，许多教师会对这个次序做一些反复性的安排；当学生的素描技能达到一定的层次时，有些教师还会开设设计素描，完成由写实素描向创意素描的拓展。就训练的形式而言，主要有教师的讲授、示范、提问和讨论，学生的临摹、写生和默写等。
经常听到学生说：“素描好难学”，在这个问题上，我也感到很困惑。
⑴ 课程设置过于呆板，缺乏反复或穿插。
⑵ 缺乏较为严肃的授课态度，对迟到和违纪的学生没有严厉的处罚措施，造成了对部分学生的长期放任。
⑶ 过于关注“问题”，忽略了他们的课堂感受。
⑴ 缺乏学习热情，带有功利性的杂念太多，纸面上画的是某种“梦境”，而不是现实生活中的客观对象。
⑵ 不能坚持刻苦训练，“三天打鱼，两天晒网”，上课只是“走过堂”。
⑶ 存在理解层面的误区，摆脱不了“前认识”带来的惯性。
教学的问题比一般人想象中的要复杂，往往不只是教师和学生的问题。许多问题涉及到整个教育大环境，涉及的面太广，没办法谈。
大部分学生关心的是“如何学”的问题，这个问题比较大，我只能概而论之。
素描的教学反思与总结篇四
美术是一门艺术性极强的学科，其与美学、建筑学甚至医学等有着密切的联系。高中阶段的美术学习，主要以素描为主，如何有效地提升学生的素描技巧，是高中美术教师关注的重点。尤其是一些艺术方面的学生，其为了顺利地考取艺术院校更是要在素描方面下工夫，以促进自己美术成绩的提升。鉴于此，本文主要就高中美术课程中的素描讲解谈谈自己的看法，希望通过笔者的努力找出适宜高中美术课程中素描讲解的技巧，推进高中美术教学质量的升级。
一、增加鉴赏机会，提高学生品位
素描作品带有一定的写实性，进行素描的过程中学生需要对描述的物体有一个细致全面的认识，才能更好地完成素描作品。一幅合格的素描作品，不仅要求学生的笔法到位，同时构图的合理以及光影的搭配等也十分的重要，而这些都是要经过不断地学习和积累才能掌握的。因此，高中美术教师在进行课堂教学的过程中应增加作品鉴赏的机会，通过带领学生对素描作品进行赏析，提高学生的艺术品位，并且让学生吸取更多的素描经验。
传统的.高中美术教学展示的作品较少，并且图片过小也不能让学生真正地感受到作品的实际魅力。而带领学生去美术馆又受到了教学条件的限制，因此鉴赏课程很难展开。随着现代科技的发展，现代多媒体教学的应用，使得美术鉴赏课程得以良性的发展，教师可以通过大屏幕向学生展示世界知名的美术作品，通过细节上的讲解，让学生了解更多的素描知识。例如，在观赏达·芬奇的画作《最后的晚餐》时，高中美术教师就可以带领学生学习达·芬奇的构图，鼓励学生探寻画作背后的故事，对当时的历史文化有一个概念性的了解。通过这样的赏析，可以充分地让学生意识到素描不仅是对事物的呈现，同时其还包含了丰富的历史、文化、感情等多个方面的要素，为学生今后的创作打好基础。
二、培养学习习惯，提升观察能力
素描重在观察，只有对事物有了全面的了解，才能付诸笔端，画出理想的作品。因此，高中美术教师在进行素描技巧教学的过程中，应将培养学生的学习习惯、提升学生的观察能力纳入其中。通过向学生传授观察方法的方式，让学生可以更好地对素描对象进行观察与分析，找出最优的绘画角度，并通过纸笔给予合理的呈现。
素描的教学反思与总结篇五
素描是一切造型艺术的基础。在素描教学中，我只是单一强调基础知识，认为将知识系统而完整地传授给学生，学生便能听懂，也能画好，这应是顺理成章的事情。然而，从学生的一次次画面效果中，从教学中一路走来，我感触颇深，学生怎样来学，教师怎样去教，并非我们想象中的那样，许许多多的问题也“变”成了我在素描教学上进步的阶梯。所以在素描教学中，关于素描的“教”、“学”及相关的经验想法，教师与学生都完全有必要进行探究性的思考。
一、引导学生理解概念，把握特点
素描是运用单色的线条、体面来塑造物像的形体结构、明暗及空间关系的一种绘画形式。每一个刚刚步入造型艺术大门的学子，总是先从素描学习入手。因为单色的素描绘画，是研究造型的方法与规律的最直接有效的形式。从这个意义上可以说，素描是一切造型艺术的基础。同时，素描也是一门独立的艺术学科，优秀的素描作品并不逊色于任何一种绘画艺术品，古今中外大师们的素描艺术成就就充分证明了这一点。
学生对于概念的理解往往停留在表面上，这在写生素描静物中，很多学生机械的照抄光影这一错误的认识，表现得非常的明显。从这一点来说，学生根本没有理解概念其本质性的东西。
二、教学中注重自主性与灵活性
素描教学上，认为将铅笔削得尖尖，从6b一直画到6h，最后将画纸画得起毛，这才是主张素描的整体性。这样的学生培养出来将缺乏自然的理解力与想像力。试想历代大师的素描作品有哪张是面面俱到画出来的呢？又有哪一件不是非常优秀呢？每一幅杰作都渗透出大师的智慧与灵感。审视我们的素描教学不应该过于单一、机械，一张好的素描习作应具有以下的品质：较好的构图，流畅的线条，准确并较深入的形体结构，使人产生较强的直观感觉而非细节吸引，既准确生动地描绘出物象，同时又不千篇一律，能充分发挥学生的表现力、想象力。关于材料的应用我们不须死板地让学生先怎样，再怎样，一定要怎样，只须告诉学生“b”与“h”标志软硬铅的区别，及绘制产生的效果，由学生自己根据个人绘画的内容及习惯去选择，放开手脚大胆捕捉和追求。这样可以提高学生感受美、发现美的能力；当选择临摹的范画时可依据学生的兴趣爱好自己来决定，石膏头像的难易程度差不多就行，无论哪个角度，“万变不离其宗”，这样可以促进学生创造性思维能力的培养。让学生在绘画中发挥自主性，这也是适度培养其“个性”的一个良好出发点。
