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当我们备受启迪时，常常可以将它们写成一篇心得体会，如此就可以提升我们写作能力了。那么你知道心得体会如何写吗？下面我帮大家找寻并整理了一些优秀的心得体会范文，我们一起来了解一下吧。
写实油画创作浅谈写实油画心得体会篇一
当前高师院校油画创作教学风格多样，而现实主义风格因为具备了以社会现实内容为题材和以具象写实手法为表现形式这两个基本特征，一直是师生学习的主要风格。人文精神是现实主义油画的载体和生命，是引起观众共鸣的重要艺术内涵，在当今以人为本的社会大背景下，油画创作中的人文精神更值得我们重视和探索。
当前高等师范院校油画创作教学正在探索多元风格的教学模式，各种观念、思想在油画教学中得以展现，但在众多风格教学中，现实主义风格因为具备了以社会现实内容为题材、以具象写实手法为表现形式这两个基本特征，为更多的教师和学生所接受和喜爱，并一直是师生学习的主要风格。现实主义油画以歌颂人文关怀为自己的社会责任，同时，深入继承了艺术传统并积极发挥创造性，赋予当代现实主义油画艺术全新的生命和意义。但在现实主义油画创作教学中，存在着重画面形式语言，轻画面精神内涵的现象，画面背后的人文精神还需要我们去深入表达和探索。
人文精神的基本含义就是：尊重人，尊重人的精神价值。人文精神是一种普遍的人类自我关怀，表现为对人的尊严、价值、命运的维护、追求和关切，尊重人、发展人，塑造一种全面发展的理想人格。人之所以是万物之灵，就在于它有人文，有自己独特的文化和意识，人文精神是一种超越历史、时代和文化的永久追求。
人的精神世界有三大支柱：科学、人文、艺术，它们就是人类一直追求的真、善、美。科学讲究的是理性，艺术则更富于情感，而人文则既有深刻的理性思考，又有深厚的情感魅力。“科学就是根据事物的普遍性处理事物的特殊性。艺术则是根据事物的特殊性去处理事物的普遍性。”所以，一个人的精神世界，包含了科学，也包含了艺术以及人文。
近代以来，人类社会发生了一系列的深刻变化，人文主义越来越得到人类的认同。改革开放后，我国的政治、经济、文艺等各方面得到全面复兴，艺术更是得到了前所未有的全面发展，在油画创作领域，各种题材、表现方式的优秀作品层出不穷，各种绘画思想得以发挥表现。而在高师院校的油画创作中，我们身边的普通人也正在成为油画创作的表现对象，关注他们的生活状态，反映他们的生活境况，正是油画创作中人文关怀的体现，也是社会进步的.标志。
绘画艺术经过了漫长的发展史，到21世纪的今天，各种艺术流派和形式并存，已具备多元包容的现代特征，而在中国，尽管各种艺术形式并存，但因为受中国传统文化等因素影响，现实主义绘画以它最易为广大人民群众接受的面貌，一直以来都是中国绘画的主流形式，如今，在当代中国现实主义画坛出现了大批以官方美术学院及美术研究机构为主体的艺术家，他们主要以社会现实为题材，有表现中国历史文化传统的，有表现热门时事政治事件的，有表现社会弱势群体的，有表现农村、农民及农民工生活的等，在这些作品中，画家或是以现实人物为中心，或是以人类赖以生存的环境为中心，通过对艺术形象的渲染，实现画家对现实问题的批判，体现出对社会以及对那些弱势人群的人文关怀。画家们在艺术创作实践中坚持真诚地反映生活，坚持以“人”为中心，因为人的活动是艺术创作永不枯竭的源泉。现实主义画家们关注现实民生，努力尽到自己对社会和人民的责任，他们特别关心绝大多数普通人的生活，以犀利的目光审视着人间的喜怒哀乐，用自己熟练而精湛的技法、以批判现实主义的精神为普通民众特别是社会底层的劳动者呐喊，对他们施以自己力所能及的人文关怀，为他们争取着必要的基本权利，这就是这个时代――充满人间温暖的现代社会――呼唤的艺术。
农民，这个自古以来都是中国最底层而人数最众的群体，他们一代代守着土地，生生不息的劳动和耕作，当现代化的脚步越来越近时，他们却还过着几乎自给自足的传统农耕生活，尽管他们也很勤劳，但依然很难摆脱这种贫穷的生活，身在现代都市的人们对这些中国农民的了解仅限于偶尔在街头看到一些告别亲人走进城市务工的农民工，农民工为社会做出巨大贡献，然而他们的生活状况却令人担忧。
现实主义画家王宏剑用他的画笔表现出鲜活的农民形象以及他们赖以生存的环境，把他们真实的生活状态展现在观众面前。王宏剑历年来赢得大奖的作品都是农民和农村题材，他说：“多年来我一直朝着一个目标去追求，那就是将中国传统的审美精神和法则注入西方经典绘画的写实技巧之中，表现当代中国人最普通的生活，并力图追求画面的史诗性，使观众通过画的视觉所传递的情感领悟一种哲理性的思考。”这样的史诗性画面的确让观众对农民生活有了很深的感触。
已故画家忻东旺也是当代现实主义油画家的重要代表，他的画中透出了对普通大众的人文关怀，尤其是对农民工的热烈表现。忻东旺自幼生长于偏远农村，深深了解最底层劳动人民的生活，他的作品通常表现的是普通市民、农民等这些社会中最底层、最为敏感的人群，并通过他们来反映这个社会的变革。关注普通人的生存状态、关注他们的精神世界正是忻东旺想通过他的作品来呈现给观众的。兴奋于自然和现实中永存的天机，沉迷于万物中不息的生命，忻东旺画画的冲动正是源于他对现实的强烈感受，画面中的人物形象既没有拔高，也没有美化，更没有掺加一点水分，无须刻意的渲染和粉饰。矮小敦实，面部沧桑，这样的人物造型给观众的视线增加了新的亮点，观众并不觉得作品中的他们丑陋怪异，反而觉得熟悉亲切，更加贴近生活的原味了。观众面对这些小人物，会发自内心的感慨，感慨他们生活的艰辛，也感慨于他们对生活的乐观，我们因此会被感动和施以同情。《村民列传》就是忻东旺创作的以普通平民为原型的一组系列作品，平民，是中华文明最底层的承载者，这些人物在忻东旺的画里没有史诗和英雄般的光彩。但如果不关心他们的生活，就不会有整个社会的发展；不丰富他们的精神生活，就没有整个时代的进步，他们正需要全社会的关爱。《村民列传》里的人物看似非常宁静，有的若有所思，有的露出满意的神情，有的则是在劳动之余的小憩，他们朴实而憨厚的姿态深深触动着我们，这些作品没有矫揉造作，传递出的只有单纯和宁静，但是每幅作品都透出着深刻的人文内涵。
在中国社会、文化发生着深刻变化的今天，还有如此众多的民众为这个现代社会所遗忘，很少有人关心他们，忻东旺的这些作品以很直白的方式展现出平民的生活状态，让观众们在直白中体会和感悟人生，画家以这样独特的绘画语境，与表现对象进行心灵的交流。画家对人本体的尊重和认同、对绘画基本功能的肯定和运用成为了整个“平民系列”的创作原则。 2014年获得第十二届全国美展金奖的油画作品《桥上的风景》表现的是上世纪二三十年代第一代留学欧洲的中国油画大家，画面描绘了林风眠等几位美术界耳熟能详的大师们相聚在巴黎塞纳河的桥上，画中人物意气风发，透出那个年代青年人充满抱负的神态和气质。
画中每个人物的形象特点又很鲜明，并融入了作者对于他们后来各自不同命运的暗示，展现出他们深沉忧虑的内心世界。这三位画家对于中国现代绘画的意义是不言而喻的，而画面中由阴郁的天空造成冷冷的色调以及三位画家的神态，表现为笼罩在一种浓重凄惨的文化悲剧之中，这或许就是当时中国在世界政治、文化地位的一种写照，画面因此展示出那种鲜明的人文精神。画家何红舟以极其娴熟和老到技法，撇开了当下主流的宏大叙事性表现手法，而通过知识分子来表达对于历史的观察与思考，传递出一种时代的人文精神。
当前高师院校油画创作教学正处于中国社会不断发生深刻变革的时代，人们在享受着最基本的生存权的同时，前所未有的关注着对精神世界的满足，时代呼唤着人文关怀。我们的油画创作教学应该以其直观性和丰富的艺术语言给人直接、清晰、透彻的感官刺激，传达美术工作者所参与的社会对话，表达自己对社会问题的鲜明态度。尤其在当今社会高速、不平衡发展的背后产生了很多严峻现实问题，由这些问题带来的思考表现于作品中，可以给观众带来更大的心灵震撼，这是一种对于人格平等的同胞的关切，是一种平等的人文关怀。
高师院校的现实主义油画创作教学一方面要关注社会生活与公众，另一方面要思考人与社会、自然的和谐，在指导学生进行现实主义油画创作时，要引导学生观察和体验社会的真实，再通过作品来寄托人文精神。社会现实生活是极具时代表情的，而艺术作品的艺术性和艺术价值，除了承载着绘画本身的因素，更应该反映时代和社会批判的责任。在责任与批判意识的驱使下，这些生活各阶层的人们被油画作品从城市的背面展现在繁华的正面舞台上，普通人的真实状况被展现在大众面前，并赢得更多普通人的艺术共鸣。
在掀开了被灰尘与泥浆掩盖的外衣以及世俗偏见后，尤其是普通劳动者的诚实、质朴、勤劳、执着的本质和不可亵渎的尊严得到了艺术的风发。这足以使每一个有良知的观众去反省我们的社会乃至我们自己，人文情怀和人性力量由此得到了张扬。现实主义油画创作的社会责任和社会作用将被重新审视和褒扬，在当今物质经济迅速发展的形势下，现实主义油画创作正是基于以“人”为本的人文立场，彰显着对人性的关怀，这些都是我们应该教给学生去认识和探索的。
写实油画创作浅谈写实油画心得体会篇二
随着社会的发展和进步，素描的功能、形式和内容得以深入理解，并逐渐形成独立的艺术形式。本文通过讲述素描的定义，回顾了写实油画艺术的素描流派，然后分析、探讨了素描在写实油画艺术创作中的作用，为写实油画艺术创作做出了一些贡献。
素描的定义可概括为两个方面：狭义上，素描指运用铅笔或碳笔等工具在平面上完成艺术造型的过程，也指培养学习美术技巧和专业艺术技能、寻找造型发展规律的绘画训练活动。广义上，素描是指运用相同颜色进行绘画的总称。例如，白描、水墨画、创造草图、速写以及绘画底稿等。概括来讲，素描是最基本的艺术造型表现手法，其作为基本的艺术创作手段和独立的艺术表现形式，涵盖了造型艺术的所有要素和基本规律，也就是说，素描在一定程度上体现着写实绘画的基本要求。
（一）现实主义素描
现实主义素描起源于法国，其主张从客观的角度去认识社会和自然，并将真实的生活作为基础艺术创作题材，主要反映人民大众的真实时代背景和生活状态，着重强调社会和人类的美、真和善，同时也揭示了画家不满和反抗现实社会的精神。其中米勒和库尔贝就是现实主义素描的典型代表画家。
（二）浪漫主义素描
19世纪形成于法国的浪漫主义素描，占据着素描发展历史的重要位置，其反对僵化呆板的传统艺术理念，着重摆脱学院派系和古典主义的束缚，并运用夸张的手法塑造艺术作品的`形象，重视发挥画家的想象力和创造力，促使绘画作品具有突出的个性和内在情感，以便使艺术发展充满新的活力。其代表人物有德拉克罗瓦和杰里柯，德拉克罗瓦致力于探索素描的表现形式，强调激烈运动的线条和笔法，进而形成了重要的素描艺术创作手段和方法；而杰里柯主张现实题材绘画，并运用浪漫、热情的情感思想反映出作品新的主题和风貌。
（三）印象主义素描
同样形成于19世纪法国的印象主义素描，分为两个阶段，即前期和后期。前期重视光与色的表现，主张人们针对大自然的实景写生，并将瞬间的光感依据自己脑海中的处理表现在画布之上，其代表人物有莫奈、雷阿诺；后期强调发挥人们的自我情感和主观感受，重视作品本质，并通过客观形象的变形和夸张来体现物象的具体性和稳定性，强调线条与体块的构成，注重追求大自然。其中马奈的《草地上的午餐》和塞尚的《静物苹果篮子》就是印象主义素描的典型代表。
（四）古典主义素描
古典主义素描是重要的素描流派，其追求合理性、崇尚大自然，并在艺术表现形式、造型内容和造型形象方面具有很高的要求，以实现造型艺术、造型内容和造型形象的完整性、理想化和真实性为目的，促使艺术作品更加优雅，进而形成静穆、严峻的古典美。古典主义素描强调精准、柔妙的素描技巧和阴暗色调。米开朗基罗、达芬奇和拉斐尔的作品就是古典主义素描的典型代表画家。其中米开朗基罗重视突出人物形象的健美，追求素描造型的力量和激情，突出鲜明的形体结构，线条的运用雄壮、有力；达芬奇勾画的造型结构非常严谨，以刚柔并济的方式运用线条，善于将明暗与线有机结合，并能将人物和大自然合理的并置在一起，促使理性与感性的和谐统一，表现出了作者的人文主义气质；而拉斐尔重视追求祥和的场景氛围，以秀美为绘画特点，作品人物通常面目清秀，线条严谨，明暗对比柔和。因此，写实油画艺术创作中，古典主义素描具有重要的意义，并推动着素描艺术的发展和进步。
在艺术创作过程中，素描扮演着十分重要的角色，它是一切绘画创作的基础，素描草稿的构思也是写实油画创作的首要任务，在素描草稿的准备过程中，画家可以对描绘对象的结构，描绘场景的空间，线条的虚实都能有很好的认识和了解。从而进行写实油画创作时更能得心应手。很多成功的画家都表示想要成为一名美术学家首先要具备一定的素描修养。当代超写实油画家冷军具有精湛的写实技法，人们对其作品有着较高的评价，其作品的逼真程度也令人惊叹，这脱离不了扎实的素描功底的支撑。目前，我国大部分高等艺校都将素描作为学生入学考试的重要标准，这是检验其造型能力的关键，对于报考造型纯艺类的考生则更为重要。众所周知，形体和颜色的巧妙融合是写实油画创作的重要手法，若绘画者的素描造型功底欠缺，必然无法自由轻松的表现对象，那么在写实油画创作中也不会达到理想的效果。
写实油画创作中，素描的重要功能就是为写实油画创造三维空间。原来的绘画作品通常是二维空间，其层次感和立体感不足，无法将现实实物生动形象的表现出来。但多变的素描线条能使平面的二维作品展现出立体的三维效果，以《蒙娜丽莎》为例，作者达芬奇借助多层次素描将事物关系拉的更近，这在一定程度上缩短了作品人物与欣赏者之间的距离，从而突出了人物的立体效果。所以，素描应用于写实油画艺术创作的主要作用就是在平面上塑造立体物象。利用素描规律及原理，能加强写实油画的立体表现张力和空间感，对现代超写实油画有着重要的影响。
对比我国当代写实油画家的素描作品和油画作品，我们能清晰的发现不同画家所表现出不同的艺术特点，素描作为写实油画的基础，其风格也影响着写实油画的表现。有的画家的素描作品表现出一种柔美、淳朴的风格，其油画作品也呈现出一种安静平和的风貌，如画家杨飞云。还有的画家在素描作品中注重通过人物动作神情的描绘表现其内心，那么他的写实油画作品也会具有相同的特点，如画家朝戈。很多油画家在素描内容的选择上坚持自己的观点，素描作品的风貌也各有不同，这潜移默化的影响了画家们在写实油画创作中的表现题材及手法，因而也对写实油画的绘画风格起到了决定性的作用。综上所述，素描是写实油画艺术创作的源泉和基础。如今多元化艺术的时代在一定程度上限制着写实油画的艺术创作，一些创作者总是持着急功近利的态度，企图借助怪异、夸张的色彩、题材和造型来吸引观众的眼球，但艺术创作忌讳浮躁和浅薄。所以，写实油画艺术创作中，只有明确素描的重要性，才能扭转现代写实油画艺术创作的错误局面，充分发挥素描的正面价值，以创作出高水平、高质量的写实油画艺术作品。
写实油画创作浅谈写实油画心得体会篇三
无论是在学校还是在社会中，大家总少不了接触论文吧，论文是描述学术研究成果进行学术交流的一种工具。那要怎么写好论文呢？下面是小编精心整理的写实油画艺术下的素描创作论文，仅供参考，大家一起来看看吧。
（一）素描中“线”在写实油画创作中的作用
“线”是素描最基本元素之一，写实油画的起稿都是通过线条描绘创作对象的轮廓，在此基础上进行虚实明暗处理完成的。线条的曲折虚实能很好表达创作对象的性格，以及作者的创作思想。线条手法重实能营造出庄严凝重的氛围，画面的沉重感也都能由线条的内在力量传达出来；线条手法简易轻盈能表达出画面温婉和谐的宁静之感，似无意又有意，画风简约又不失大气。素描通常以黑白为主，黑色线条与白色底稿之间，由两种互补色的鲜明对比，使画作产生一种黑色线条在画上运动的动感。作者借助线条的神韵生动形象地表现出写实油画的灵动，其真实的情感和思想内容也得以表达。由此可见，线条在写实油画创作中占据举足轻重的地位。
“形”是通过线条描绘刻画的实物轮廓，“体”则是以“形”为前提塑造的实物体态体积。素描其实是造“形”塑“体”的主要表现形式。写实油画对画面实物的形体要求非常苛刻，一般要求具备清晰的形体轮廓，突出表现所画对象的主要特点，画家通过对线条的取舍和加工，以达到提高形态精确性的目的，确保形状轮廓的清晰程度为完成体态步骤打下坚实基础。正是由于“体”因“形”的存在而存在，后期画家才把形体单独从写实油画中提炼出来，并不断洗练完善。在油画创作中，“体”从实物的长度、宽度和高度三个方面刻画，“形”体现的是平面效果。“体”赋予了实物体积感和空间感，因而实物具有了三维立体空间感。画家主要通过对素描线条的明暗层次、远近关系、虚实关系等表现手法的综合运用展现实物真实感。素描中线条的颜色由深及浅分，大致只有黑、灰、白三种色调，多数美院高校的教学要求是教会学生处理素描实物的明暗关系，通过观察实物在自然光照射下的明暗效果，施加练习，学会运用明暗层次和线条的关系，利用三色的不同排列组合突出实物的立体空间感和真实感。
（三）素描在写实油画创作中的空间作用
随着科技的进步与社会的发展，生活中越来越多视图呈现出三维立体的空间感，为使画面更具真实感，现代素描已经出现了3d素描，给人以美好的遐想空间以及形象的幻觉。以往的艺术作品更多以二维空间的平面形式出现在人们眼前，从整个美术历史进程来看，早期的写实油画都只具备平面视图效果，即使是平面效果，也需要利用素描对画作的虚暗实明、远小近大关系谨慎处理，若要达到三维空间效果，则需在此基础上进行素描明暗、素描阴影、素描层次关系的调整。世界名画《蒙娜丽莎》的手稿由多层素描重叠而成，显而易见，美术巨匠达芬奇的素描手法已达到了炉火纯青的境界，这也透露出作为一名画家只有具备了扎实的素描基本功，才能创作出传世之作。素描的空间透视作用在写实油画中得到了广泛应用，按透视角度可分为成角透视、倾斜透视和平行透视。利用这种素描原理，能加强视觉的表现张力，拓宽写实油画的表现领域，形成现代超写实绘画风格，这对科幻绘画、广告设计，以及现代美术设计风格都产生了极大影响。
为精确表达作者的创作思想和创作题材，画家通常在写实油画的准备阶段对写实油画的'构思进行素描构图，再不断修改完善。素描的过程一方面是过滤与明确画家创作主题思想的过程，作者在创作准备阶段，需要以素描的形式粗略考虑画风和画面构图的整体安排，考虑这样的安排布局是否合理；另一方面，也是作者对所要表达思想内容的进一步深入剖析理解，作者利用素描绘画反复思考与揣摩，提炼写实油画的素材，研究绘画手法和技巧对写实油画主题思想的综合反映，为确定写实油画的画风与画调起到奠基作用。古今中外的画家在写实油画创作中非常重视素描时的初步构图，在构图中不断修缮，力求完美，胸有成竹后对素描构图定稿，此后才敢对写实油画进行具体创作。
首先，在我国多所美院入学考试要求中，都将素描纳为一项重要的检验标准，用以考察学生是否具有扎实的素描基本功以及绘画潜力。因为没有扎实的素描功底，学生很难在写实油画创作中表达自己的思想，也难以掌控造型能力，以及色彩与形体的综合运用能力，完成的作品也会因此显得空洞无实和平庸。因此，为了写实油画长期健康稳定发展，要充分发挥素描绘画的积极作用，提高学生素描绘画水平，从而提高其写实油画的艺术创作水平。其次，放眼国际，绝大部分写实油画大师都是素描绘画能手，但这些具有国际地位的大师到底先成为写实油画的传奇人物，还是先成为素描绘画的高手呢？答案显而易见，一幅优良的素描绘画底稿是一幅写实油画精品的基础，没有坚实稳固的基础很难使写实油画技艺登峰造极。因此，素描对写实油画创作具有积极推动作用，素描水平的高低在很大程度上决定了写实油画创作的档次。最后，素描不仅是写实油画的基础，还是所有美术绘画的基础。素描水平的高低与素描手法的娴熟程度和技巧综合运用有关。素描功底薄弱的画家很难创作出画作精品，多数作品无法表达画作主题和实物本质，甚至不能精确传达个人情感和思想，究其原因，还是由于缺乏深厚的素描功底。基本功不扎实，在美术上的造诣必然无法达到精深。
（二）素描风格决定油画创作风格
中国的写实油画学者中，很多油画家的素描作品对象以人物居多，表现手法也多以柔美、典雅、朴素为主。让人惊讶的是，他们的写实油画创作风格也一直保持着与素描绘画同样的画风，传达出宁静安详。其中，最为典型的就是油画家靳尚谊。除此之外，朝戈是另一个典范，在他的素描作品中，注重通过描绘人物的动作神态刻画其内心，写实油画作品画风与他的素描画风如出一辙，通过描绘沉静安详的神态表现人物内心深处的平和，画作具有强烈的时代特征，揭示当代人物特定的内心变化。淡化对象形体轮廓手法是素描流派中印象画派作风，力求描绘自然风景的真实性。著名印象派画家莫奈等人不提倡在室内作画，倡导在自然状态下进行户外写生，希望直接刻画自然光的日常色彩。他们摒弃了前几个世纪的压抑色调，开创了清新明朗的阳光色调，他们的写实油画风格与素描风格在后期都展现出真实自然的风格。由于油画大师在素描内容选择上各有见解，素描风格也各具特色，这无形中影响了他们在写实油画中的创作表现手法，因而也决定了写实油画的画风，这些各具风味的油画艺术表现风格在美术发展进程中百花齐放。
素描对完成写实油画的艺术创作有重要意义，而且对提高写实油画的质量有不可估量的影响，无论是对油画创作的形体、色彩、空间构图，还是对作者思想情感的表达，都起着决定性作用。因此，美术学习者要增强学习、夯实素描基本功的积极性，以达到提高写实油画创作质量的目的。
写实油画创作浅谈写实油画心得体会篇四
这是一篇全面分析创作过程的文章，在这里具体分析油画肖像的创作经历，从最初的创作源头思路寻找，以及创作途中遇到的种种问题，包括搜索图书资料，学习大师或者画家的绘画语言，研究画家等社会背景和作品特征，从而在自己创作的同时学习和借鉴的过程。西方绘画在引进的同时，影响着我们的多数前辈，在他们的艺术思想影响下，晚辈的我们不断的学习耳濡目染，潜移默化在我们绘画的每个角落。艺术绘画的过程，也是一个不断模仿不断研究不断创作的过程，正是我们这些追求梦想和研究创作的后辈学习的重要阶段，在这里，分析了我的创作。
创作过程；绘画技法语言
1.生活来源
人物是我们最熟悉不过的了，但最熟悉的往往会视觉中成为视而不见的对象，我们的认识往往容易落入概念的窠臼和表面。对于大部分人来说，他人的存在只要我们感觉到并使自己有安全感就足够了，无需观察他们的形态和特征。就此一点，我却不然。每天与我息息相关的生活最重要的一部分就是我的同班同学，在他们的眼里我普通的像颗野草，但是也是他们当中必不可少的一份子。当然同学们个个形形色色的模样便早已刻入我的脑中。
2.资料获得
为了能表现出人物的个性突出，同时可以把他们作为我们学校学生的形象代表，我选择了我的三位同班同学。自我觉得，同学们当中他们三个人平时的生活习惯和个性张扬特点在同学们当中显现！
3.构思形成
就他们三人平时的生活习惯。外形特征和身体语言，我通过对他们平时的观察，然后每个人进行交谈与采访进一步了解每个人物他们所处的生活背景和个性，由此来延伸作品人物背景的创作。
画成为一个三人三幅系列，通过平时对一些画家的作品观察和研究积累，我想为了能够更突出人物本身及其他们的个性特点，采用“抽象化的背景处理为宜图”作为每幅画里人物所处的环境，为了让观者更开阔的想象。
1.起稿
对着照片，开始素描稿的训练，经过自己的想法全部尝试，最终画出素描效果图和色彩稿。
2.作品的绘制
表现对象是油画创作的内容，是创作中无法回避的研究课题，它可以是具体的.也可以是意象的，更可以是抽象的。首先，画的像是其一。第一张画，通过观察在讲求人物准确性高的基础上，通过对外表的形象观察，更重要的是要融入对象当中去，脑子里一遍一遍的反复对人物平时给自己留下的深刻印象，和他们平日里在同学们眼中的样子，摆脱表现对象客观存在对艺术表现的束缚，打破普通知觉的经验和常规，从对客观对象的观察中寻找自己的独特视角，避免流俗和雷同。面对不同对象的创作，体验会不同，反思也大径相庭。
3. 技法表现
油画本体语言潜藏着无数的可能，并通过画家对材料创造性的理解和使用方式产生不同的艺术效果。油画它本身包括了颜料、媒介、基底材质、笔触等多方面的综合元素，如果忽略了任何一方面的研究，都会对语言的表达产生阻碍。因此，对油画语言深入的感知体验也是一个不可或缺的环节。在画飞燕的脸部和衣服的过程当中，不断经过调色顺序、敷色的厚薄，不断使用刮刀避免画的太厚，笔触的肌理效果和运笔的方式的各种尝试，我采用了直接画法，人物的刻画是属于写实风格，背景则放松颜色及笔触，轻松自由的韵律。经过对范勃作品的背景研究，我借助了他的运笔和颜色分布和颜料的薄厚，将自己的感受和对画本身的理解感受，创作了背景，赵飞燕的背景是冷调子。为了使人物体积感和质感更强烈，在素描关系上下大力度，不断调整。刚开始尝试了几种画法，有些不熟练，怎么画都觉得没感觉，不是自己心中想要的，最后不断尝试大概五六遍之后才画出了点效果，觉得还不错，这才定了下来，背景画的比较薄，是为了强调它的空间感和透气感。
在油画创作中我们不仅要考虑画什么，而且要更多的考虑如何表现出个人的风格，考虑所采取能表现自己个性语言和创作体材相符合的技法表现。所以在作品中情感表现也需要相应的创作技法与之相统一。早期油画创作中采用“担泼拉”画法①，即用鸡蛋和蛋清作为调料溶合矿物颜料作画，再做薄而透明油罩在画中。15世纪尼德兰画家凡爱兄弟用亚麻仁油和核桃油等快干油作为调和剂，并使颜色易于调和，被广泛的运用，特点为运笔自如，并可层层敷色，提高色彩明度，能较重充分的表现物体的真实感和丰富的色彩效果。在创作中，技法的运用是一副好作品的必经之路，要不断探索取于大胆尝试，以多元化的技法以求表现画面的主题需要。
4.整理完成
通过反复深入塑造，就以上所有的创作经验，开始另外俩张画，开始总觉得画面当中颜色太单调，整个画面的气氛怎么都调动不起来，总觉得不能感染人。于是我翻阅好多大师的画，反复画背景，调整颜色和黑白层次关系，这才觉得差不多。我认为创作一定有思想，相当于有了灵魂。有了思想再加以创作情感表现和真情透露才将是一副有价值且完美的创作。在画的过程中，我的眼前不断浮现平时和她相处的点滴和我对他的了解，只有付诸于干这些情感的东西才能打动人心，才能使得自己的作品给人留下思考的余地，通过作品表达的思想情感而感染观者，带着观者走进你的画面，读懂你的心思。假如一幅没有思想没有情感没有表达意义的作品，谈不上打动观者，必然是一幅失败的创作，所以油画创作中思想感情的表达是尤为重要。
美国有影响的美术家苏珊?朗格则强调艺术形式与情感表现的关系，提出“艺术是情感的表现”②；在创作过程中，人物的形象面部表情及其特征要表现的更艺术更生动，必定要先了解人物的情感思想及她的生活背景，只有这样想了通过艺术的语言表现出来才会更有价值。弗洛伊德的表现论学说，“以它的心理分析学为基础，专门从潜意识和情感心理学角度阐发艺术的表现过程”③。西方近现在种种艺术表现论反对客观现实内容，对现代主义艺术产生重大影响。正如象征主义、抽象主义等把艺术表现情感创作推向极致。
首先，在我看来，一幅好的作品它的必胜点在其选材，比方说能随着当代社会的发展变化，科技的发展，人文的思想进步改变，我们在选材时当然就可以考虑到这些方面，最好能涉及一些社会人文方面的，及其创作想法与创新点，只有在这俩点的必备下才可成为好作品。然而，往往广大艺术爱好者及“所谓”创作热爱着却忽略了这一点，不论什么题材，只要有照片便一味执着的开始“所谓”的创作。所以，我们才把他们称艺术爱好者。西方的发展油画也正是因为由文艺复兴时期开始，达芬奇、拉斐尔、米开朗基罗等大一批艺术家的大胆尝试和创新才推动油画艺术的不断发展。
其次，则是技法。油画的基本技法很多，例如文艺复兴时期达?芬奇画的《蒙娜丽莎》运用多重技巧和笔法结合科学，光学原理表现出蒙娜丽莎最经典的微笑。经哈佛大学的神经科学专家利文斯通博士研究蒙娜丽莎嘴部深画40层颜料，每一层都很薄。证实并不是用笔所画，而是作者把颜料涂在手上继而画在上面。而每一层颜料都要几个月风干，推算大约10年才能画出蒙娜丽莎的微笑。画面上表现的蒙娜丽莎圣洁的微笑，妩媚的微笑，富有魅力的笑，这也是这幅作品创作的经典之作也是给观者留下最深刻的印象，最能打动观者的切入点。
